DISEÑO DE 1960 A 1980

 

Contexto histórico

Años en los que pasan los sucesos más paradigmáticos y controversiales, Tanto en el ámbito político como en el económico, como el asesinato de Kennedy en (1963), el inicio de la campaña a favor de los derechos cívicos de los africanos (1965), la llegada del primer hombre a la luna en 1969, el fallo de Rusia con el satélite Salyut 1 en (1971), el Terrorismo en Munich (1972) y la lista sigue. Incluso la “guerra Fría” y la “guerra del espacio” seguían en juego, los avances científicos y tecnológicos dominan e intervienen en la sociedad, cambiando comportamientos y formas de expresión.

Se crean varios productos determinados por elementos tecnológicos, como las computadoras, la televisión, etc. Los servicios y objetos de uso son comercializados en su totalidad, el consumo esta en aumento, la industria se encuentra en poder, sin embargo la sociedad responde ante tal consumismo, se empieza a tomar conciencia, por el daño que se le hace al medio ambiente, la producción y los procesos se “humanizan”, incluso salen grupos rebeldes de jóvenes, que están en contra y que protestan por sucesos que afectan al mundo, llamados “hippies” , estos sucesos se ven reflejados al igual en el diseño, en donde hay movimientos en contra de la industrialización y consumo que someten al diseñador, en donde se encuentran el “Optical Art” (1965-1973) y el “diseño Radical” ó “anti diseño” (1966-1980) , así como también aquellos movimientos que toman conciencia de los procesos industriales, los cuales ven al diseño como una alternativa para proveer soluciones como el “diseño Ecológico” (1967) y el “minimalismo” (1967-1978)

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Andrea Branzi, Sofá super onda, (1966), Archizoom, Italia.

Diseño Pop (1955-1970)

El arte Pop (1955-1970) que se rebelaba contra elementos establecidos del arte y diseño, se dio a fama por su gran difusión mediática, su reconocimiento fue gracias a que empleaban elementos de diseño “barato” , como imágenes de revistas, comics, películas, objetos industriales etc, los cuales se convirtieron en inspiración para los artistas pop, como Andy Warhol (1925-1987), y Roy Lichenstein (1923-1997) . Estos elementos eran habituales en la sociedad juvenil, los temas se basaban en estereotipos tanto sociales como culturales y en el consumismo. El diseño pop al igual que el arte pop, rechaza elementos y conceptos establecidos en el modernismo y vanguardismo, su fuente de inspiración es amplia, se enfoca principalmente en objetos de uso cotidiano, los cuales son elaborados para consumo rápido, ya que  son de bajo costo, se podría decir que son efímeros, el material de mayor uso es el plástico por su facilidad de manipulación, tanto de forma como de color, Bajo este concepto basado en lo barato, lo efímero y lo visual, podemos encontrar a Peter Murdoch (1940) y a Jonathan de Pas (1923-1991).

 

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Verner Panton, Silla apilable, 1960, Herman Miller, Basel

Diseño op y op Art (1965-1973)

Denominado como “optical art”, es el estilo que se origina en Europa y después se hace visible en estados unidos en la década de los 60, se caracteriza por utilizar figuras geométricas abstractas y reducidas, con los cuales se forman patrones simples o complejos, que crean sensación de movimiento y continuidad, su principal herramienta eran los efectos visuales que acompañan al estilo, donde se emplean figuras abstractas, colores llamativos contrastantes y patrones de Moiré. Estos elementos son vistos principalmente en el diseño gráfico y en el interiorismo, enfocándose prácticamente en las superficies, el diseño op a pesar de inclinarse en la estética y en el exterior de los productos, no se desliga de los elementos esenciales del diseño como el contraste, armonía, unidad, ritmo, proporción y tensión. El diseño op se expresa en obras bidimensionales, donde los contrastes abruptos de blanco y negro dominan, incluso se juegan con las formas y luces, para crear efectos visuales, en general el diseño op se basaba en la estética conformada por formas simples pero con composición compleja, dentro de este estilo se pueden destacar a André Courrèges (1923) con su colección de ropa compuesta por rayas y cuadros y rombos en 1965, también estan Victor vassarely, bridget riley y Larry Poons.

Bel design (1960-1970)

Se Origina en Italia, el bel Design lleva algunos elementos del modernismo y vanguardismo, se considera como influyente de producción, teoría y promoción, se le adjudica como la primera corriente acreditada de Italia, este estilo a pesar de estar elaborado bajo la industria y el racionalismo, contiene variantes que lo desligan del “Buen diseño” o del “diseño moderno”, los productos elaborados no eran pensados como productos democráticos, asequibles para toda la sociedad, sino que realizaban productos “exclusivos”, costosos y personalizados, con gran significado, que eran adquiridos nada más por unas cuantas personas, los objetos son elaborados con procesos complejos y con nuevos materiales, manteniendo elegancia y exclusividad de producción.

 

 

 

Antidiseño (1966-1980)

También es denominado como “diseño radical”, se le conoce así a la época en la cual los diseñadores y arquitectos crean alternativas de diseño, que van en contra de los valores establecidos en el “modernismo”, se podría decir que es una periodo experimental, donde el diseño racional e industrializado se ausenta en términos de producción de demanda, los diseñadores se rebelan ante los ideales establecidos, ya que el diseño se encuentra inmerso en la producción consumista y a los intereses comerciales, por lo que se generan nuevas propuestas y prototipos que se enfocan en el valor, no tanto en lo estético, si no más bien en la función social y también en la cultural, esta ideología contradice continuamente a la “gute form” y a la modernidad, los diseñadores ya no se encontraban bajo los términos del comercio, sino que se desligan del consumismo, incluso crean criticas de lo irreverente que puede ser el racionalismo, el diseño radical se caracteriza por el uso decorativo, irónico, crítico y escultural. Estos elementos son promocionados por distintitos grupos como studio Alchimia, Archizoom, Superstudio, Grupo Strum, donde se crean objetos que promueven el individualismo, con el objetivo de transformar aquellos objetos cotidianos aburridos en objetos de contemplación estética, que tengan contenido, tomando poca consideración a la producción en masa y función.

 

 Minimalismo (1967-1978)

Al minimalismo no se le considera como una tendencia utilitaria, sino que se caracteriza por el uso de figuras geométricas depuradas, en las cuales se sintetizan los colores, la forma, materiales y la composición, esta tendencia se encuentra tanto en la arquitectura como en el diseño y el arte, en donde se priorizan las formas elementales de composición, elaboradas con la mejor simpleza posible y buscando exteriorizar la mayor limpieza visual necesaria, en si la elegancia se obtiene por medio de la simplicidad extrema. Los minimalistas combinan el color con la escultura, adquiridos como un todo, la ornamentación se suprime y se busca utilizar igual el menor numero de materiales para construcción o producción, en diseño gráfico, pintura, etc. el minimalismo se expresa por medio la geometría. Con líneas definidas y con mucha limpieza.

 

 Diseño ecológico (1967-1978)

El hombre empieza a tomar conciencia, debido a los sucesos que ponen en peligro al medio ambiente, al igual que la crisis petrolera que afecto a estados unidos y a otros países en (1973), causando recesión económica. La sociedad se preocupa y responde ante tales sucesos, por ello se crean nuevos ideales y teorías que condicionan a la producción industrial y también al diseño en general, con ello surge el “Green Design” o “Diseño Verde”, donde hay compromiso con el medio ambiente y con la sociedad, los cuales deben de adquirir productos de calidad, la sociedad es imbuida en la conciencia ecologista, la cultura consumista es criticada, se toma mayor valor a los recursos naturales, por que no son ilimitados, Victor papanek (1925-1998) es uno de los principales exponentes, el cual menciona que el diseño debe de ser empleado para proveer soluciones, que consideren al medio ambiente, al igual que Jhon Elkington, que relaciona los posibles problemas ambientales con soluciones orientadas al diseño.

 postmodernismo (1978)

Es designado como postmodernismo, a aquel periodo en el que aparecieron movimientos que iban en contra de la “vanguardia” y de la “modernidad”, se creía que el diseño y la arquitectura carecían de significado. Roland Barthes con su libro mitologías (1957), sirvió como medio de inspiración e intervino en este periodo, por sus teorías de semiótica, esta información fue base para implementar simbología, por que se creía que si los oficios o productos estaban inmersos de significado, creaban una relación más estrecha con el espectador, la retención de ornamentación y abstracción geométrica deshumanizaba, desligaba la relación, por ello se empezó a implementar la decoración superficial, compuesto por motivos decorativos. Por lo que los diseñadores y arquitectos empezaron a introducir estos motivos a sus diseños, un ejemplo de ello es Michael Graves, que utilizaba la semiótica para formar una relación psicológica, igual intervinieron Ettore Sottsass y Alessandro Mendini, los cuales interpretaban el pormodernismo en sus obras, los diseñadores se regían bajos sus propias reglas, dejando a un lado los ideales centrados en el consumo y la asequibilidad, incluso se introdujeron productos limitados y exclusivos de firmas como Alessi, Artemide, Cassi y Formica, se crearon al igual grupos como “Memphis” al que se le adjudico el “neopop”, donde se promocionaban artículos vistosos y mostraban su rechazo al “buen gusto”.

 

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Diseño y movimientos del 1900 al 1920

 

Arts and crafts (1850-1914)

 Es el primer movimiento realizado por “diseñadores” y artistas, generado durante la revolución industrial (1850), se fue desarrollando hasta su desintegración en 1914, Inglaterra fue la protagonista de esta intervención, la ideología surge en respuesta a la producción industrial, por temor de la perdida de lo artesanal, se busco introducir valor estético en los productos industriales, ya que la industria ponía en peligro al productor y al consumidor.

 Willam Morris (1834-1896) lidero el arts and crafts, su preocupación nació a raíz de la ausencia de diseño en la producción industrial, no había relación entre la forma y función. Morris defiende a la artesanía, lo ve como una solución para la industria, como medio estético que acompaña a la función, junto a Morris también se encuentran Gottfried Semper y Jhon Ruskin considerados como padres del diseño, empiezan a enfocarse en el proceso del producto integrando al “arte” en él, sin embargo esta ideología decae, ya que los productos artesanales son muy caros, siendo asequibles nada más por personas adineradas, la Morris & Co introdujo la artesanía pero el costo de producción y del producto se inhibió.

El movimiento se solidifica en 1888 con William R.Lethaby (1857-1931), Arthur Heygate Mackmurdo y Charles E. Ashbee, se da un acercamiento al diseño, el racionalismo en producción empieza a formarse pero no es concreto, Charles Voysey y Charles Ashbee, concuerdan en que la ideología de Morris no era la adecuada, ya que los productos accesibles y estéticos solo se hacían posibles con las maquinas, el movimiento sobresalió gracias a Liberty & co y Heal & Sons, ya que comercializaron muebles basado en la utilidad y producción.

Art Nouveau (1880-1910)

 Se forma gracias a la intervención de Annesley Voysey (1857-1941) con sus decoraciones del papel tapiz, en donde simplificaba formas naturales y creaba “símbolos”, aparte esta Tony Ganier (1869- 1948) que menciona que la buena arquitectura se construye bajo el conocimiento de materiales y de las necesidades de las personas, el movimiento se desarrolla durante la Belle époque, época de prosperidad y paz previa a la primera guerra mundial (1914-1918), la simplificación toma importancia, el fauvismo (simplificación del color) y expresionismo (representación subjetiva) es una prueba de ello, las formas abstractas y sinuosas son introducidas tanto en el arte como en los productos.

 El fauvismo muestra independencia de color, su composición es simple pero entendible al igual que el expresionismo que sugiere formas llevándolo a la abstracción, hay conexión con la arquitectura que se enfoca en los interiores y el diseño que esta enlazado con las artes industriales, en ambos la funcionalidad y la belleza se sintetizan, , en efecto, Guimard lo demuestra en las entradas de metro en parís, así como también Wagner con la estación Karlsplatz (1901) situado en Austria, en ambos la estética es cuidada y aplicada para la sociedad.

 El trabajo artesanal se emplea al máximo y el maquinismo es aceptado, hay unificación entre el arte y la industria para equilibrar la producción, esta armonía genera una moda decorativa, aunque hay presencia del funcionalismo, sin embargo las formas no son depuradas en su totalidad, todavía existe cierta intervención de la naturaleza, en los jarrones de Louis Comfort tiffany (1848-1933) se puede ver claramente el floralismo decorativo al igual que Emile Gallé (fabricante de cristales) (1846-1904), aunque hay preocupación con la funcionalidad la ornamentación todavía es evidente. Este nuevo movimiento se le conoce como el primer estilo moderno, por que se separa del historicismo y del clasicismo, el cual intervino en Alemania con la Jugendstil, en Francia que se le conocio como “Le style Moderne” y en Italia denominado “Stile Liberty”.

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Emile Gallé, Jarrón de cristal blanco con grabados color púrpura, 1904.

 Jugendstil (1890-1910)

 Es conocido también como “estilo de la juventud”, surgió en Alemania y fue fundado por Georg Hirth en 1896, los diseñadores Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y Auguste Endell, se enfocaron en el mundo natural, en donde se manifestaba la ciencia y tecnología, de ahí obtenían elementos orgánicos y también motivos “naturales”, por lo que se realizaron investigaciones para comprender mejor a la naturaleza, sin embargo también se quiso introducir la estandarización y la aplicación de fabricación racional que fue planteado por Riemerschmid, la esencia de arst & craft sobrevivía pero era más industrializado.

 Deutscher Werkbund (1907)

 La embajada de Alemania nombra a Hermann Muthesius (1861-1927) como representante, el cual es mandado a Londres, bajo la instrucción de aprender de la arquitectura y del diseño ingles, en 1903 regresa a su país, donde forma una campaña que se enfoca en la utilidad y practicidad, este movimiento da lugar a la Deutsche Werkbund en 1907, conformado por representantes de la industria del comercio, periodistas, artistas etc. La Werkbund considerado como centro de unión para elevar la calidad industrial, siendo su principal objetivo “la exportación del arte industrial y el perfeccionamiento progresivo de producción”, en 1912 fue el punto de mayor éxito, incluso interviene en la Design and industries asociation. Conformada por Suiza, Suecia e Inglaterra. El compromiso teórico de Werkbund prevaleció pero la ideología decayó en la primera guerra mundial.

 En este periodo lo artesanal se desplaza y es reemplazado por la producción industrial, se genera la necesidad de comprender la relación existente entre el arte, la artesanía y la industria. Se admite que la ideación artística esta por debajo del proceso de la máquina, ya que el arte se encuentra restringido, debido a que la ciencia y tecnología no lo conforman completamente, la werkbund ve al principio al diseño como un medio importante para la economía, el cual se emplea para el aumento de calidad de productos, la artesanía prevalece pero es implementada como solución de lo industrial, a pesar de establecer relación entre el diseño y la industria, todavía se generan inconformidades entre la estandarización (Hermann Muthesius) y la libertad de expresión (Henry van de velde), ya que Henry menciona que se pierde la esencia del arte y es limitada por la industria, mientras que Hermann ve a la tipificación como alternativa para el aumento de producción.

 La postura del artista se va desvaneciendo, se va despegando de lo natural y cae en la formas geométricas y abstractas, en este periodo aparece el cubismo (1908), originado por la experimentación plástica, hay mayor de exploración de formas, los cuadros están estructurados por distintas formas superpuestas, se pierde la figura y las obras caen en la subjetividad, también se integran diversos materiales, incluso se generan nuevas formas de comunicación, la fotografía y cinematografía igual crean modificaciones en las expresiones artísticas.

 Racionalismo de forma

 Varios diseñadores ingresan en la industria y se involucran en la producción en serie, Peter Behrens (1869-1940) fue el mayor representante en este periodo, en 1907 es contratado por el AEG, empresa convencida en el diseño que quería apostar por la línea de electrodomésticos. El objetivo de Peter era integrar el arte y la técnica, los objetos o productos se separan de la ornamentación y se crean bajo la concepción racionalista, sin embargo Peter se enfoca en la forma y no en el proceso.

 Racionalismo de proceso

 En Eua se hizo visible el movimiento, en el cual destaca Henry Ford (1863-1947), con la producción de la Ford T en 1908, sus productos eran prácticos y liberados de lo artístico, se generan estudios de tiempo y armado , donde se busca aumentar la productividad introduciendo la eficiencia en el trabajo, la idea de Henry era que el automóvil fuera asequible para cualquier familia.

 Futurismo. (1909)

También denominado como cubismo dinámico, el objetivo del futurismo es introducir el movimiento dando sensación de velocidad y aceleración, es generado en Italia en 1909 por el escritor italiano Filippo Tomaso Marinetti, el futurismo se adapta a los rasgos de la modernidad, esta ligado con el progreso tecnológico, es el primer movimiento que se desliga de la naturaleza, fundamentándose en la industria y en las máquinas.

 De Stijl (el estilo) (1917 -1931)

Fundado en 1917 en Holanda, liderado por Theo Van doesburg, el movimiento se enfocaba en la abstracción absoluta, influenciado también por el neoplasticismo, Piet Mondria (1872-1944), es el mayor representante en pintura, él desliga la “representación” imitativa de la naturaleza, ya que la composición se crea y no se copia, los elementos son reducidos en las obras, por ello se emplean formas muy básicas, aparte se sintetiza el color empleando nada más los colores primarios (rojo, amarillo, azul), el blanco, el negro y el gris.

 El movimiento De stijl influyo en el diseño de muebles, interiores, en arquitectura, productos, etc. Las formas geométricas y el color uniforme es característico de esta etapa, las formar eran simplificadas, la línea horizontal y vertical se reflejaban en los objetos, los adornos y decoración en exceso eran eliminados, ya que mientras menos elementos se generaba mayor significado, la abstracción geométrica fue el principio y base de este periodo, De stijl es considerado como el movimiento más cercano al diseño moderno, por la simplificación y limpieza estética, estos principios son evidenciados en los trabajos de Gerrit Rietveld, sobre todo con su silla rojo y azul (1918-1923), que mostraba la máxima abstracción, propio del movimiento.

 

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ROMANTICISMO,IMPRESIONISMO Y POSIMPRESIONISMO

ROMANTICISMO (1800-1850)

Es conocido como el movimiento cultural e intelectual que se propaga entre los escritores, filósofos y sobre todo entre artistas, la música y literatura constituyen al arte, esta estrecha relación es reflejada en las obras, las representaciones contienen mayor dramatismo, los artistas se apegan a la realidad social y política, aunque a veces es alterada, por ello las obras son subjetivas, en este periodo el sistema político esta en la deriva, los sucesos históricos se convierten en el tema principal. La revolución francesa fue uno de los tópicos de mayor influencia, ya que dio lugar a ideas revolucionarias, con ello se generan las famosas pinturas históricas, el arte ya no estaba solamente ligado a la belleza, sino que también se convierte en un medio de denuncia y manifiesto en contra del régimen político.

La pintura es la expresión artística de mayor influencia en este periodo, los artistas estaban comprometidos con la realidad coetánea, plasmando escenarios históricos, que profundizan y “encarnan” la vida de la “sociedad” influenciada por el ámbito político, los artistas más destacables son Gericault (1791-1824) con “la balsa de la medusa” (1819), cuadro manifiesto donde se acusa al gobierno del naufragio de balsa, y Eugène Delacroix (1789-1863), con “la libertad guiando al pueblo” (1830), Considerado como primer Cuadro “revolucionario”.

El tema ligado a la naturaleza se retoma, los paisajes se vuelven relevantes, los colores abundan y protagonizan las obras, la pintura se impone ante el dibujo, las composiciones reflejan la personalidad del autor, los cuales buscan representar el entorno, acercándose a la realidad, como Jhon Constable que pintaba lo que “veía”, él desarrollo una técnica de manchas superpuestas para acercarse más a lo natural, también se encuentran Camile Corot (1796-1785) y Joseph Will Turner (1776-1837), este último tuvo mayor interés en el ambiente y las alteraciones de la naturaleza, lo que le llevo a experimentar con los colores, alternando diversas técnicas, sus representaciones muestran mayor personalidad, las pinceladas no son definidas y son fluidas, dándonos así la proyección de un mundo “imaginario”.

La escultura estuvo ausente en el romanticismo, sin embargo la arquitectura tuvo algunas renovaciones, una de las principales influencias es la revolución industrial, surgen nuevas necesidades, la sociedad industrial exige nuevas edificaciones con mayor complejidad, como la elaboración de puentes, edificios, museos, entre otros. La revolución industrial brinda nuevos materiales que posibilitan y proveen alternativas de construcción, los descubrimientos industriales se ponen al servicio de la arquitectura, los materiales más destacados son el Hierro y el cristal. El hierro se convierte en el material favorito, por su versatilidad y resistencia, los arquitectos más destacados son Victor Baltard (1805-1874), el cual estaba obsesionado con este material, combinándolo con otros materiales, destacando a la iglesia de San Agustín, la cual es un indicio que da lugar a la Torre Eiffel, también están Antonio Gaudí y Cornet (1852-1926), con la casa de Barcelona, en la cual se implementan nuevas formas onduladas, que rompen con la estructura habitual de la arquitectura.

REALISMO

 Para hablar del realismo se tiene que tomar primero en cuenta a Joseph Niepce (1765-1833) el cual descubrió las bases del fotograbado, creo el procedimiento de impresión en placas presentado en (1839), dando así a luz a la fotografía. Se generan nuevas ideologías, los artistas retratan la realidad, sin alterarla, como una “fotografía”, la observación se vuelve fundamental, otro tema de interés es la representación social, en la cual destacan los obreros y proletarios, que tomaron papel principal en este periodo por la comuna parís y los golpes en contra del gobierno, las personas trabajadoras son el tópico del momento, un ejemplo de ello es Courbet (1818-1877) criticado por el “taller”, también podemos encontrar a Millet (1814-1875) que es tachado de socialista por su origen y por su obra del “campesinado” , otro artista importante fue Honoré Daumier (1808-1879) caricaturista y pintor que criticaba con sátira, incluso fue arrestado por su temática, él pintaba a la sociedad en la realidad, su inclinación en representaciones estaba vinculada con la clase social baja.

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 IMPRESIONISMO (1874-1890)

La Comuna de parís y la proliferación revolucionaria (1830-1848) caen, el proletariado y el campesinado pierden presencia en pinturas, los artistas se enfocan más en la apariencia, ya no están apegados a la realidad sino que se encuentran influenciados por la sensaciones, lo visual es lo primordial, los artistas son rechazados frecuentemente, son incomprendidos por la sociedad, sus expresiones no son aceptadas, incluso varias exposiciones fracasaron, por ello se crean grupos enfocados en defender sus ideales, el termino impresionismo se le debe al choque que hubo entre Monet y el critico Louis Leroy en la exposición de (1874), de la obra Impresión, Sol naciente, en la que Monet es ridiculizado por los pincelazos obvios y por su técnica “brusca” de composición.

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 La luz artificial interviene en gran medida en los artistas, las luces de queroseno y después la eléctrica influyen en las obras, esta es dominada ahora por el pintor, lo cual determina a las representaciones, como las pinturas de Edgar Delas “el ajenjo” y “el ensayo”, en el último se puede ver su dominio de composición, tanto de movimiento como de luz, sus pinturas plasmaban escenas sociales, en las cuales capturaba diferentes movimientos, aparte la luz artificial es protagonista en sus pinturas, incluso dan la sensación de una “fotografía” por su composición.

Otro punto importante de este periodo es la aportación de Chevreul (1786-1889) que hace disoluciones obteniendo colorantes, gracias a su estudio se elaboran los círculos cromáticos, esta teoría sirve como fundamento para nuevas ideas y concepciones del color, como la ley de asociación (mezcla de primarios dan complementarios) y ley de contrastes (opuestos de colores resaltan), el claro oscuro se ausenta y se emplea nueva técnica de sombras coloreadas, conformadas por medio de los complementarios (si la luz es roja entonces la sombra es verde), un ejemplo de esta técnica es el cuadro de Monet (1840-1926) “Las regatas de Argenteuil” (1872), en donde sobrepone colores complementarios, formando luces y reflejos en el agua por medio de los colores, las tonalidades son creadas por el espectador, su objetivo en estas pinturas era conectar los cambios de luz y mostrar las degradaciones en fases del sol. Renoir (1841-1919) se centro en el contraste de colores, la luz era la esencia de sus pinturas en la cuales destacan temas de la sociedad, de remeros y bañistas, conjugaba tono y sus cuadros contenían muchos planos.

El paisaje estuvo presente igual en el impresionismo, los cuadros mostraban la conexión directa de la pintura con la naturaleza, se imitaban efectos naturales en la representaciones, como los reflejos, la luz, la bruma, el cielo, etc. las pinceladas se sobreponían para brindar esos efectos, dentro del paisajismo se encuentran Pissarro (1830-1903), que plasmaba ambientes rústicos y Sisley (1839-1899) al cual le gustaba pintar ambientes y sugería formas, él fue experimentando con la luz, hasta que sus obras se volvieron claras y con vida.

Las técnicas eran muy importantes, se renovaron algunas e incluso se crearon nuevas formas de representación, los estilos abundaban y eran alternados o cambiados por el artista, como Manet (1822-1883) con su pincelada suelta o con su combinación de líneas y sombras. En su obra “el desayuno en la hierba “ (1863), se encuentran varios elementos como la luz, el manejo de contrastes entre el color de piel y trajes de los hombres. Hubo mucho estudio de color, composición, sombras y luz, que dio lugar a nuevas concepciones como el puntillismo en el que destaca Seurat (1849-1891) las pinturas estaban constituidas por manchas pequeñas, las cuales permitían albergar mayor cantidad de color en las zonas, obteniendo luces y colores con mayor precisión.

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Georges Seurat, bañistas en Asnieres, (1883-1884), óleo sobre lienzo, galeria nacional de Paris.

POSTIMPRESIONISMO (1890)

Los artistas vuelven al trabajo individual, se empiezan a disolver los grupos, se forman dos tipos de arte, el de línea y el espiritual, sin embargo se siguen empleando los conocimientos desarrollados y comprendidos en el modernismo, las representaciones ya no muestran la realidad objetiva, sino que se enfoca en la subjetiva, fundamentado con las teorías y concepciones realizadas, recogidas de los impresionistas, los temas empiezan a tomar importancia, no son descartados aunque todavía experimentan con técnicas.

En la pintura los colores toman mayor importancia , la composición cromática se encuentra encima de otros elementos, las pinturas son presentadas en dos dimensiones y se pierde un poco la tridimensionalidad, la construcción opaca a la perspectiva, los espacios son percibidos de diferentes manera, aunque la perspectiva se pierde, la profundidad se da con los colores y planos, un ejemplo de ello es Paul Cézanne (1829-1906) en su obra “ Las grandes bañistas” donde muestra cuerpos femeninos monumentales, sugiriendo así formas, sobre todo del paisaje, la obra se constituye por medio del juego de colores. Dentro del arte espiritual se encuentra Van Gogh (1853-1890) sus pinturas plasmaban expresiones con mayor apego, sus pinceladas y contornos son duros en comparación a otros artistas, su personalidad y el sentimiento es plasmado en sus representaciones, el manejo de color y dibujo contribuyen a expresar esas sensaciones, al igual que Cézanne, Van Gogh rechaza a la perspectiva habitual, brindando una imagen reconocible y con significado rápido, sus pincelazos son bruscos, sin embargo estos crean líneas y formas con mayor consistencia, definiendo así la forma, el impresionismo esta presente pero con alteraciones.

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RENACIMIENTO, MANIERISMO, BARROCO, Y ROCOCÓ.

Renacimiento, manierismo-02

RENACIMIENTO SIGLO (XV-XVI)

 Es la etapa que da inicio a la renovación cultural de Europa, se desarrolla durante la transición del medievo a la edad moderna, este movimiento interviene en distintos ámbitos como la política, economía y sobre todo el arte en Europa, el hombre todavía sigue mostrando interés por la naturaleza, pero ya no se encuentra dominado por ella, el ambiente que los rodea no lo consideran como algo divino, sino que buscan comprenderlo y estudiarlo, esto da paso a la revolución científica, el ingenio y conocimiento se vuelven esenciales, incluso en el arte, todo lo que se realiza tiene una función, se elabora bajo reglas, a parte se establecen nuevos conceptos empleados en las obras.

 Este movimiento cultural explota y se expande, la ampliación se da debido a diversos detonantes, de los cuales podemos destacar 3. El primero y más importante es Nicolás Copérnico, con su teoría heliocéntrica, en la cual establece que el mundo gira alrededor del sol, esta concepción sirve de base, convirtiéndose en el primer paso hacía el pensamiento crítico, los individuos se cuestionan más, se forma mayor interés en comprender, la ciencia se aplica a la naturaleza, todo se basa en la observación y en la razón, formándose así el humanismo, donde el conocimiento domina a lo espiritual, esto causa que la iglesia pierda poder, degradándose así el interés y miedo ante dios, ya que el humano estaba siendo divinizado y dios humanizado. Otro punto importante es la imprenta, Gutenberg estuvo perfeccionándola constantemente, esto fue esencial ya que hizo posible la transmisión de conocimientos, tomo importancia en universidades, divulgando así la cultura del libro. Por último se encuentra el descubrimiento de américa, esto significo un golpe al ideal establecido, por que Europa ya no era el centro del mundo, con ello se comprobó que habían más continentes, a parte américa ayudo en la economía Europea, ya que adquirían todas sus riquezas, lo que ayudo a impulsar los proyectos y obras de artistas.

 Las obras artísticas ya no se basaban simplemente en lo visual, sino que también empezaron a tomar mayor interés en la función, esta preocupación por la utilidad se le atribuye a Vitrubio, él establece que la utilidad es muy importante como la belleza, también menciona que hay dos conceptos de belleza, la relacionada a lo visual y la belleza que se relaciona a la función y utilidad, sus escritos influyeron en varios arquitectos. Otro personaje importante es Leonardo, él es la clara representación del humanismo, ya que domina distintas ciencias, posee muchos conocimientos y los aplica, su interés por la proporción lo hizo adentrarse en la anatomía, sus dibujos y pinturas estaban realizados bajo el conocimiento.

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Sandro boticelli, el nacimiento de Venus, 1482-1485. Temple sobre lienzo (galería de los uffizi, Florencia)

Miguel Ángel Formo parte del humanismo, él es un gran escultor, varios de sus trabajos arquitectónicos están influidos por la escultura, las proporciones son fundamentales, sus obras muestran dinamismo y tensión, acercándose al realismo, él tenía el ideal de convertir un arte en poseedora de los demás, por ello participó en distintas obras incluyendo en la fachada de la iglesia de san Lorenzo, formándose el concepto “non finito” donde las obras quedan a medias por diferentes situaciones.

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Miguel Ángel, La piedad, 1498-1499 (Basilica de San Pedro del Vaticano), figuras repletas de lirismo e idealismo.

MANIERISMO (SIGLO (XVI)

 Se forma en el Cinquecento, cuando el renacimiento comienza a decaer, la religión empieza a adentrarse lentamente en la cultura Europea, la relación del hombre con la ciencia se mantiene pero no por mucho, se corrompen los ideales, causando que los individuos pierdan seguridad, nublando así el conocimiento adquirido del renacimiento, se empiezan a imitar obras e incluso los artistas experimentan, intentan retomar estilos como las de Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. El artista cuenta con mayor libertad, buscando nuevas formas de expresión, dejando a un lado las expresiones renacentistas, pero a pesar de ello el hombre todavía es considerado parte fundamental, el color permite representar con mayor fidelidad los pensamientos del artista, el arte se basa en lo intelectual, pero no es aceptado por fieles a la religión.

 La armonía y simetría de la arquitectura del renacimiento se pierde, los artistas emplean distintos elementos, las edificaciones se sobrecargan, la decoración se incorpora, por lo que la escultura se vuelve vital, utilizándolo como complemento de la arquitectura, las proporciones son alteradas y la organización difiere, el orden espacial es modificado, se conectan los espacios interiores con el entorno natural y artificial.

 La escultura ya no se centra en la naturaleza, el realismo ya no es fundamental, incluso las formas son “anti naturalistas”, la proporción presenta cambios, lo intelectual interviene, la ornamentación se incluye con los modelos, cargando y llenando así los vacíos que se encuentran en la obra, incluso se emplean motivos de animales o de la “naturaleza”, el tema no tiene tanta relevancia, lo más importante del artista manierista es la técnica, el diseño y estilo, la representaciones se cargan de objetos y formas, característico de las expresiones manieristas.

BARROCO SIGLO (XVII-XVIII)

El renacimiento se encuentra en Crisis, causando el retorno del ideal espiritual, en respuesta al intelectualismo mismo del renacimiento, la iglesia retoma poder, la reforma protestante apoyada por Martín Lutero cede ante la contrarreforma, se establece el cristianismo “primitivo”, lo místico se introduce nuevamente, cambiando así las expresiones artísticas, el barroco se convierte en una etapa “teatral”, se elaboran representaciones para infundir la religión y también el miedo, el arte se utiliza como un medio de persuasión , con el fin de aumentar el numero de “fieles” a dios, pero a pesar de ello, también el arte se utiliza para servir al pueblo, sobre todo en arquitectura, la organización es fundamental, denominando o designando cada espacio, sea civil o religioso.

El arte se emplea para la sociedad, no solamente como medio de divulgación, sino que también esta al servicio de las personas, cada expresión tiene una función, sobre todo la arquitectura, la cual se adecua a las proporciones y demandas de la comunidad, el arte busca impresionar, renuncia al conocimiento, utilizan el aspecto visual para mostrar la grandiosidad, el urbanismo es la mayor preocupación, es importante la conexión e interacción entre lo interno y externo, la arquitectura es la síntesis del arte, combinándolo con la escultura y pintura, empleado para llamar la atención del espectador, la perspectiva es característica, incluso se intenta hacer ilusión del espacio infinito. Dentro de la arquitectura se encuentran Carlo Maderno, Gian Lorenzo Bernini, Juvara y Guarini, Fisher Von Erlach, entre otros. La edificaciones tienen elementos en común como la integración de la naturaleza, conexión con áreas civiles, decoración (escultura y pintura) y organización espacial.

La escultura y pintura están compuestas por emociones, hay mayor movimiento, la expresiones son capturadas con mayor naturalidad. Gian Lorenzo bernini, Algardi, Pierre Puget, Gregorio Fernández, etc. Buscan representar la realidad, las representaciones muestran escenas, la temática principal es la religión.

Caravaggio (Michelangelo Merisi), es uno de los mayores exponentes del tenebrismo en la pintura, retratando así a la vida tormentosa y violenta, La iluminación es fundamental, juega con las sombras y la luz es escaza, las representaciones son crudas. Otro personaje involucrado es Diego Velázquez, él es reconocido por la integración de su imagen en la obra “Las Meninas”, toma mayor interés en los rostros, ya que las expresiones designan a la pintura, integra a los personajes con el entorno, la interacción se hace visible, lo cual destaca con el juego de espejos que integra en “Las Meninas”.

 

ROCOCÓ SIGLO (XVIII)

 Se desarrolla durante el reinado de Luis XV y Luis XVI, el arte se vuelve independiente e individualista, se empieza a perder relación con la religión, debido al desarrollo de la ciencia y tecnología, la aristocracia sale a la luz, interviniendo en las expresiones artísticas, el arte se emplea sobre todo para interiores, inclinándose hacia la decoración, el arte y escultura se involucran más en un tema doméstico y cotidiano, el arte tienen mayor libertad, la creatividad del artista es plasmada, sin obligación a tocar temas específicos.

 La arquitectura se enfoca principalmente en la distribución de los interiores, buscando equilibrio y decorando los espacios con varios elementos, la ornamentación se alza, por lo que las expresiones decorativas salen a la luz. La escultura se adentra en el retrato, las mujeres son reconocidas, ya que tiene mayor participación en la sociedad, las formas son refinadas, delicadas, como las obras de Falconet, él cual representaba obras sobre mujeres y niñas, en las que muestra el dominio natural, mostrando vida y pasión en las representaciones, plasmadas por el escultor.

La pintura se aleja de las normas y de los elementos geométricos, buscan retratar mayor naturalidad, hay mayor vida, los colores se tornan claros, los artistas reconocidos son Watteu, Boucher, Fragonard, Hogarth, Gainsborough Etc. Watteau representa la actividad de la sociedad, divulgando y retratando sus labores cotidianos, interviniendo así en otros pintores. Fragonard toma importancia al retrato, donde busca acercarse más a la realidad, el pastel se convierte en una técnica esencial, para captar ese realismo, GainsBorough muestra el mismo interés que Fragonard, sin embargo él involucra al paisaje, característico en sus obras, lo cual se asemeja a romanticismo.

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Fragonard, El columpio (Galería Wallace, Londres)

 

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ARTE PRERÓMANICO, ROMÁNICO Y GÓTICO

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Etapas del prerománico, románico y gótico.

Prerománico ( VI D.C. – XI D.C.)

La gran caída del imperio romano afecta a varias zonas de Europa, generando una desestabilización en el ámbito político y cultural, los territorios se encuentran debilitados, lo que da lugar a invasiones bárbaras, hay ataques continuos por parte de los normandos, vikingos, etc. Estas intervenciones brindan nuevos elementos decorativos integrados en las expresiones artísticas, sin embargo hay una perdida de componentes culturales y expresivos, por ello se hace necesaria la renovación del imperio romano, para rescatar las formas artísticas, las cuales están basadas e inspiradas en el clásico Grecorromano.

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Puerta de San Bernardo, San Miguel de Hildesheim, primer conjunto de puerta en bronce, Alemania.

El arte “bárbaro” nace de los choques entre diferentes culturas, se genera una fusión de ideales y expresiones, las representaciones exponen alteraciones únicas, por lo que las composiciones demuestran una combinación del arte romano y de las representaciones bárbaras. El arte romano es reconocido por su apego a la naturaleza, en sus representaciones hay dinamismo, expresiones, etc. Sus formas son muy orgánicas, mientras que el arte bárbaro es geométrico, sus formas son simples pero tienen composiciones complejas, en ellas hay abstracción de la forma, la simetría es fundamental, lo cual se refleja en la ornamentación, La combinación de los elementos naturalistas y abstractos son característicos, los cuales se pueden ver en las edificaciones, pinturas y esculturas.

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Relieve visigodo de la ermita de Santa María (Quintanilla de las viñas)

La edad media es conocida también como la época oscura o de “nefanda”, considerada como la edad de las tinieblas, debido a la limitación del conocimiento, la ignorancia aumentaba, las obras se escondían en catacumbas, habían manifestaciones artísticas, pero no estaban a la luz, todas las técnicas y conocimientos se desvanecieron, por ello hubo un retraso en el arte. Carlos Martel miembro de dinastía carolingia, se rodeo de los sabios más prestigiosos, con el fin de hacer una reorganización de estudios y difusión cultural, buscando rescatar el conocimiento, sin embargo habían intervenciones religiosas en las edificaciones, donde el monacato era instrumento del gobierno, el impulso religioso dio lugar a monasterios, iglesias, etc. Las edificaciones se conformaban por dos torres, algo característico de esta época, dando a luz también a la iglesia-porche que contenía el westwerk (cuerpo occidental).

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Abadía de Corvey, westwerk conservado, Höxter (873-885)

Carlomagno fue un personaje muy importante, él tomo interés por la renovación del imperio romano, su principal aportación es el conjunto palacial de Aquisgrán, edificado por el arquitecto Eudes Metz (789 – 804), donde se retoman concepciones de la arquitectura. Hay una estricta jerarquía espacial, cada zona tiene una función especifica, como la catedral carolingia de colonia (800 – 876), las iglesias incluso se encontraban orientadas al este, con ábsides cercanas al sol (relacionado a la divinidad), los edificios con mayor significado contenían mosaicos, que representaban escenas.

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Capilla Palatina de Aquisgrán, por el arquitecto Eudes Metz, encargo de Carlo Magno, Alemania (789-804), se creía que el diablo intervino, por la velocidad de construcción.

Un elemento de gran repercusión en las edificaciones fue la “cripta”, con la cual se buscaba difundir el culto, contenía altares dispuestos en el corredor, como en la cripta de saint Philibert- de Grandlieu (836). En edificaciones las torres eran altas por que simbolizaban a la elevación y canalización, mientras que los cuerpos occidentales eran fortificados como protección del mal.

La pintura mural se convierte en un medio eficaz para hacer llegar las enseñanzas al pueblo sobre la iglesia, incluso se creía que si no interpretaban las letras por lo menos podían leer las paredes, la divinidad se hacía visible, se embellecían los templos de dios y se enseñaba a través de ello, un ejemplo es la Colegiata de San Juan de Mustäir (780 – 790), en suiza, en donde se ilustran 82 escenas, por medio de una serie de secuencias “narrativas”, se crea interés por manuscritos y hay proliferación de códices dedicados al culto.

Románico ( XI D.C. – XII D.C.)

Empieza a haber mayor cohesión en las artes plásticas, las poblaciones empiezan a incrementarse, lo que favorece al desarrollo de las aldeas y ciudades, el feudalismo y la iglesia se encuentran sumamente relacionados, sin embargo la iglesia cuenta con mayor poder, por ello intentan moralizar a la sociedad feudal, obligando a los reyes y señores a cumplir con sus deberes, se crea una sociedad eclesial, bajo el ideal de que todo tiene su precio, hasta el cuerpo y el alma, hay mucha influencia de la religión en obras, se intenta igual rescatar zonas perdidas por la guerra, lo que da lugar a una invasión violenta por parte del cristianismo, formándose así las cruzadas, grupos realizados para recuperar territorios perdidos, también empleados para castigar a los que van en contra de la religión.

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Monasterio de Leyre, Ábsides y torre de la iglesia (siglo XI)

Las iglesias se convierten en instituciones rectoras, las cuales demuestran mayor orden y jerarquización, se crean nuevos espacios, como el colectivo, también hay sacralización de lugares determinados, como las criptas o lo espacios de las reliquias, los objetos sagrados obtienen mayor valor, se les rinde culto, las veneran e incluso las arrebatan, para tenerlas a su disposición , las iglesias y monasterios se convierten en las fuentes de ingreso más seguras, hay una expansión monacal, la cual es la difusora de nuevos modelos culturales, las edificaciones se relacionan a la religión como la abadía de Cluny fundado en 910 por Guillemo de Aquitania, se crean igual iglesias de peregrinación, en donde se ganaba el “perdón eterno”, haciendo remisión por pago de expendios.

Se crea un esquema jerárquico en la sociedad, creándose 3 ordenes conformado por oratores (los que oran), Bellatores (guerreros), Laboratores (trabajadores). La arquitectura se emplea como solución a necesidades, se crean varios imperativos comunes en edificaciones, hay elementos que se repiten, como las cubiertas abovedadas, elaboradas con piedra, debido a los problemas con el fuego, ya que era la causa principal de destrucción, también se encuentra la bóveda de cañón, los arcos de medio punto elaborados con formas semicirculares y la intersección de ojivas, que servían para unificar y vertebrar el espacio, los templos eran elaborados a imagen de cristo, por ello era importante la unidad interna, algunas construcciones contaban con una planta en forma de cruz, para emular al sacrificado.

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Articulación de espacio interior, Catedral de Durham (1092-1133)

En las iglesias románicas se elaboraron deambulatorios, espacios realizados para la circulación de individuos más fieles, como la basílica de Saint-Sernin de Toulouse en Francia, se crean espacios procesionales, realizados por exigencia de reclamo de reliquias, se agrandan las zonas y los altares proliferan. Hay mayor ritmo, dando lugar al “tramo” (arquitectura articulada), hay mayor decorado en fachada, se emplean relieves prácticos y simbólicos, los muros se empiezan a aligerar y se introduce el arte de tallar.

La escultura esta atada a la arquitectura, incluso esta subordinada por las funciones y leyes de esta, la arquitectura se le considera como el arte integrador de todos los artes, los trabajos en relieves se introducen, integrándose en la interpretación del espacio, adaptándose a las necesidades de la edificación, la composición esta basada en la simetría y unidad, dando lugar al arte de geometría, las formas geométricas eran empleadas para llenar espacios vacíos, ya que le tenían horror al vacío, por ello hay una combinación con lo geométrico y natural en sus representaciones.

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Acceso a templo, mensaje adoctrinador representado por la escultura.

Gótico (XIII D.C. XVI D.C)

Se manifiesta en una sociedad urbana y burguesa, surgiendo por necesidad de recuperación económica y cultural, se desarrolla el comercio en Europa, aumentando la producción, el mundo cristiano se amplia en distintas zonas, aparecen el “prestamista” y el “cambista” , hay mayor organización en el ámbito económico, las obras de arte toman mayor valor, incluso hay difusión de estilos y técnicas, las cuales se “promocionan” en las ferias o en los mercados, se crean igual gremios, empleados para la protección de obras, incluso sirven como nexo entre los artesanos y artistas, hay un afianzamiento de las monarquías, la nobleza empieza a decaer y empiezan a desarrollarse universidades, como centros del saber.

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Catedral de Siena, en Italia

Aunque hay mayor conocimiento, la religión sigue constituyendo a la sociedad, la iglesia vive inmersa en la riqueza y el poder, pero hay un aprecio en el concepto de vida. La arquitectura se encuentra en la búsqueda de la verticalidad, las ciudades se extienden, debido a la exigencia de servicios, también por el aumento de ceremoniales religiosos y se crean órganos de gobierno para gestionar el ámbito urbano, las ciudades contienen división interna, se elaboran edificios de acuerdo a necesidades, hay interés por los espacios comunitarios, como plazas o lugares de intercambio.

Las catedrales son el centro visual de la ciudad, en las construcciones se acentúa la verticalidad, incitando pequeñez ante los enormes espacios, los espacios arquitectónicos deben de ser luminosos también, para plasmarse la luz inmaterial (dios), por ello debía haber “resplandor” en el interior, para eso se empleaba la iluminación y el color, para guiar al hombre. Había una preocupación por la luz, por ello ubicaban las construcciones al este, para obtener el destello del sol, los vitrales y vidrieras formaron parte fundamental, ya que dejaban transportar la luz al interior eliminando así la oscuridad.

Las estructuras góticas se elaboraban bajo lo racional, lo lógico y tomando como base a la matemática, el alzado es mayor debido a la búsqueda de la luz, la bóveda más empleada es la de crucería, que se adapta a cualquier planta, tenía distintas designaciones de acuerdo a su entrecruzamiento, como la crucería sexpartita, estrellada, en abanico, etc. El arco rampante es el principal , nace por la necesidad de contrabalancear los empujes, repartiendo así la carga, aparte también se dieron a relucir los arcos apuntados u ojivales, para mayor soporte, el muro se hace muy delgado hasta casi desvanecerse, designándolo como muro pantalla, gracias a esto aparecen los ventanales enormes, de estructura alargada, con filtros de colores, que sirven como difusión de conceptos religiosos.

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ARTE EN MESOAMÉRICA

 Preclásico ( 3000 A.C. – 200 D.C)

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Figura femenina en cerámica, acentuando formas de caderas y abdómen, Tlatilco.

Se le conoce como la etapa evolutiva o formativa del hombre, dando lugar a la creación de pequeñas aldeas, su necesidad de cazar disminuye, ya que se crea una dependencia del cultivo, la organización social empieza a formarse, lo cual es evidente en las aldeas de el Arbolillo, Zacatenco y Tlatilco. El culto a los muertos se vuelve importante, por ello se les deja ofrendas en sus aposentos, lo más usual eran las figurillas de barro, que mostraban representaciones femeninas, sus formas sinuosas y acentuadas las hacen evidentes, estas figuras eran usadas como culto a la fertilidad o fecundidad, tanto del hombre como la agricultura.

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Máscara de barro, de Tlatilco, simboliza la dualidad entre la vida y la muerte.

Hay una evolución en las expresiones plásticas, los elementos se vuelven más complejos y empieza a haber un enriquecimiento de utensilios, los tejidos salen a la luz al igual que las piedras finas, se generan nuevas formas de expresión artística, como la pintura corporal o mascaras de barro, también empieza a desarrollarse una religión formal, basada en el chamanismo, lo que da lugar a distintas deidades relacionadas con la agricultura, los dioses constituían el ambiente que les rodeaba, por ello existieron dioses del agua, fuego, lluvia, maíz, etc.

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Figura de terracota de Chpícuaro, siglos VII A.C. – II A.C. Museo de Louvre

La cerámica empieza a tener mayor complejidad, mostrando una técnica más precisa, esto se refleja en sus vasijas zoomorfas ( forma ó estructura animal) y sus figurillas, las representaciones “artísticas” también se utilizan para comunicar e incluso para la estratificación social, por medio de estas mostraban la división de la sociedad en grupos como: chamanes, músicos, bailarines, etc. Las figurillas femeninas se realizan con mayor delicadeza, en ellas hay un mayor manejo de las proporciones, gracias a esto las figuras fueron designadas como “Pretty ladies”, Tlatilco fue una de las zonas que más destacaba en estos trabajos, la alfarería empieza a influir en distintos lugares como el Opeño o Chupícuaro, se convierte en una vocación, la cerámica ya no era utilizada solo para adornar si no que también empezó a ser utilitaria, la elaboración de vasijas y lozas son prueba de ello, pero aun así en la cerámica utilitaria estaba todavía reflejada la ritual, sus relatos constituían una parte esencial en estos trabajos.

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Vasija de tlatilco, representa a un pez sostenido sobre su propia cola doblada, en ella se plasman distintas texturas por el alfarero.

 Olmecas

 Se le considera como la madre de las culturas, teniendo mayor influencia en la maya, teotihuacana, Tajín y la zapoteco-mixteca, estuvieron asentados en distintas zonas tales como la Venta, tres zapotes y San Lorenzo, lo cual explica su intervención de formación en otras culturas, su expansión artística es la principal intervención de la cultura Olmeca, ellos desarrollaron nuevas formas de expresión artística, como la planificación de montículos en barro, la estructuración y la escultura monumental, siendo el último el más predominante, los centros ceremoniales fueron característicos, ya que conformaban una parte importante de las ciudades, los rituales eran el alma, lo que dio lugar a los instrumentos “ceremoniales”.

 Aunque los olmecas eran grandes ceramistas, ellos tuvieron mayor auge en la escultura en piedra y la aplicación de esta, el trabajo era realizado en grandes dimensiones, tallando cuerpos o partes de ello, también utilizaban piedras preciosas como la diorita o jade, con las cuales realizaban composiciones decorativas, el trabajo demuestra el control y precisión que poseían. La cultura olmeca tuvo una obsesión felina, conectada al culto del agua y de la lluvia, esta influencia se ve reflejada en sus representaciones, los elementos del jaguar son obvios como: los ojos, garras, manchas, etc. Incluso las figuras humanas tienen deformaciones, creando así una combinación de rasgos del hombre y del jaguar, por otra parte salen también las baby face, estatuillas deformes con expresiones y características infantiles.

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Cabeza colosal en el parque museo arqueológico la Venta, Representa a un jefe de tribu, cultura Olmeca.

 La arquitectura Olmeca demuestra gran desarrollo, enfocándose principalmente en los centros ceremoniales, sus ciudades estaban compuestas por palacios y residencias. La arquitectura “religiosa” se originó en San Lorenzo, sus construcciones eran compuestas de barro y piedras que servían como protección, en algunas zonas se agregaban mascaras de jaguar, que representaban el contacto mágico, con el agua, la tierra y el cielo. Los monolitos esculpidos también constituían parte de la ciudad, los edificios y plazas contenían estas esculturas, otra aportación arquitectónica importante de los olmecas es la pirámide truncada, la estructuración servía como basamento del templo, manejando la disposición de plataformas y escalinatas,

 Clásico ( 200 D.C. – 900 D.C.)

 Teotihuacán

 Es concebido como un importante centro religioso y cultural en el valle de México, una de sus primeras construcciones es la pirámide del Sol, considerada la más grande, se crearon nuevos elementos arquitectónicos como la “alfarda”, una protección de piedra que genera una escalinata, para obtener mayor resistencia. Las pirámides se caracterizan por su monumentalidad y su simplicidad geométrica, la estructura escalonada se originó en estas zonas, sus edificios religiosos estaban orientados, como la pirámide del sol , ubicada en dirección de la puesta y la pirámide de la luna en ubicada en el sur. Lo especial de Teotihuacán fue la combinación de la arquitectura con la escultura, tal como se ve en la pirámide de Quetzalcóatl, donde sobresalen las cabezas de la serpiente emplumada, el manejo de los relieves se vuelve algo característico.

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Pirámide del sol, una de las construcciones más grandes de Teotihuacán.

 La pintura se expresa por medio de conchas, murales y cerámica, el propósito era representar mitologías o descripciones, sin embargo también tenía fines decorativos. Sus obras eran abstractas, los símbolos, incluso los colores estaban conectados a algo, como el rojo que era la sangre y el jade que se relacionaba con el agua, Tláloc era otra deidad importante, era el dios de la lluvia y el dispensador de vida, varias obras lo integraban, sus relatos eran plasmados, la pintura se hace fundamental en relieves planos, ya que consideraban que había mayor detalle y no había confusión con las formas.

 Mayas

 Es una cultura que se desarrollo en el sureste de Mesoamérica, tomando las regiones de Chiapas, Tabasco, Guatemala y Yucatán, se establecieron en zonas selváticas, teniendo complicaciones en construcción, su mayor interés era el entorno y los fenómenos físicos, los mayas se apegaron a la astronomía, también se inclinaron en la precisión de fechas para el cultivo, los glifos fueron una fuente de comunicación para estos datos, también generaron un sistema aritmético que facilitaba cálculos muy grandes, la exactitud se vuelve fundamental.

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Templo de las inscripciones, construcción más importante de Palenque, empleado como tumba de Pakal, Chiapas.

En Copán la astronomía es fundamental, fue un lugar de reunión de los astrónomos, se hacían observaciones astronómicas, para determinar eventos, fechas, etc. Los mayas buscaban plasmar estos datos y por ello se originaron los jeroglíficos, como medio de interpretación, tal y como se puede ver en la escalera jeroglífica, donde hay una inscripción extensa. Las estelas y altares de piedra caliza, eran monumentos conmemorativos, que tenían el mismo fin, se empleaban como marcadores, guardando fechas por medio de los relieves.

 Los mayas utilizaban techos en sus edificaciones, para lograrlo hicieron una forma llamada “arco en saledizo”, se reducían dos muros opuestos hasta casi tocarse, se generaba independencias entre estos, los espacios abiertos son parte fundamental de la arquitectura, por ello hay mayor cuidado en estas áreas, por que ahí se llevaban a cabo las ceremonias.

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Fachada del palacio de las máscaras de Kabah, con repetitiva ornamentación del dios Chac, Dios de la lluvia, península de Yucatan.

 Zapotecas

 Se establecieron en Oaxaca y su mayor actividad esta resguardada en monte Albán, fue una cultura de procedencia Olmeca, por ello hay una clara influencia de ello, son conocidos como “danzantes” debido al dinamismo que plasman en sus obras, en las representaciones hay miembros deformes creando un sentido de movimiento. La gran plaza central mantiene armonía y demuestra equilibrio, se guarda una relación entre los edificios y espacios abiertos, en las edificaciones se emplean alfardas y el tablero de escapulario para brindar mayor soporte.

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Conjunto Monumental Atzompa, zona de entierro de un “individuo” de alto rango en la sociedad zapoteca. Vasija roja con rostro humano que data del 650 – 850 D.C.

La escultura aparece como un complemento de la arquitectura, se pueden apreciar como dinteles o estelas, los zapotecas empiezan a tener mayor dominio de relieves, incluso agregan glifos a las lápidas, capturando el movimiento en las representaciones. Algo representativo es la escultura en barro, los zapotecas crearon diferentes vasijas experimentando con relieves, la cerámica ritual se empleo mucho en este periodo, las obras representaban deidades de apariencia animal o humana, como Pitao cozobi que era el dios del maíz, las urnas eran muy demandadas, tanto así que generaron una producción en serie, donde implementaron el uso de moldes, las urnas resaltban los elementos del rostro, mostrando las emociones, además en ellas había una conexión con la religión, las figuras eran realizadas para terminar en las tumbas.

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Vasija efigie, dentro del templo funerario de la zona arqueológica de Atzompa, en oaxaca, compuesto con una capa de plumas, un collar de borlas, orejeras y un ceñidor.

Postclásico ( 200 D.C. – 1521 D.C.)

 Toltecas.

 La cultura tolteca esta completamente influenciada por la imagen de Quetzalcoátl, hay más apego al calendario y se introduce la metalurgia, lo que da a luz al oro, la plata y el cobre, se presentan cambios en las formas artísticas, al ciudadano de Tollan se le denomina como persona civilizada y artista, las edificaciones se conforman por columnas, los toltecas establecen principios condicionando basaltos geométricos, prismáticos y cilíndricos, generando así nuevas técnicas.

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Vista de las columnas del palacio quemado en Tula,  Hidalgo.

Dentro de las esculturas lo más destacado son los atlantes, estas obras se empleaban para soportar altares o estandartes, se hacían con rigidez para relucir su estabilidad, el arte tolteca demuestra grandiosidad, sustituyendo en sus obras a los sacerdotes por los guerreros, las representaciones caen en la decoración pero no pierde su funcionalidad, la arquitectura se conforma por columnatas adelgazando los muros para ofrecer mayor resistencia, esta estructuración nace por la preocupación del espacio interior, El templo de los guerreros es un ejemplo de ello, donde se crea el conjunto de las Mil columnas, imponiendo su poder ante todos, las columnas son esculpidas, demostrando a guerreros y representando a dioses, las formas usuales en estas obras eran las águilas, los jaguares, los guerreros, etc.

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Guerreros Aztecas representados en las estatuas de Tula, denominadas como “Atlantes”

Su arte es considerado como rudo y guerrero, en donde se manifiestan las representaciones artísticas al estilo puuc, manteniendo un dominio del relieve, visto en la mezcla de la edificación con la escultura, el manejo de relieves es grande pero no tanto como el de los mayas.

 

Mixtecas.

 Los mixtecas terminaron de ocupar Monte Albán y vaciaron las tumbas zapotecas, para poder emplearlas, las tumbas se llenaron de tesoros mixtecas como collares, pendientes etc. Dominaron la técnica de cera perdida para los metales, También proporcionaron ofrendas de cerámica, los mixtecas se especializaron en la alfarería y en la creación de artificies.

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Representación de temas y acciones, se frecuentan obras de tradición mixteca, escena de decapitación de un dios.

 

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Códice Vaticano, cultura Nihua-Mixteca

 

Los temas y acciones representados en los murales de Santa Rita y Tulum son frecuentes en los códices y en otras obras de la tradición Mixteca-Puebla: la danza, el tañido del tambor, el ataque con armas, el cautiverio, la decapitación, la presentación de ofrendas, entre otros.

 Los mixtecas ingresaron un complejo cultural, donde se extiende su influencia artística, los gráficos empleados en representaciones son muy complejos, pero aun así es conciso y expresivo, la composición se realiza cuidadosamente, demostrando armonía en las figuras, los códices y cerámica perduraron, los mixtecas al igual que los olmecas intervinieron en muchas culturas, sus formas artísticas se extendieron por distintos territorios.

Los Huastecos.

 La cultura huasteca no es tan reconocida, sin embargo se le atribuyen algunas formas artísticas, dentro de las construcciones conocidas, se encuentra el Ébano, realizado con barro compactado y endurecido con fuego, sus construcciones guardan relación con otras como el Tajín, sin embargo presentan algunos cambios vistos en Tantoc, Tancuayalab y Tacanhuitz, las aristas eran eliminadas de las construcciones, se redondeaban los bordes durante el proceso de construcción, para evitar el filo de estas edificaciones, la escultura la representan de forma bidimensional, disminuyendo y aplastando el material para plasmar la representación como una pintura, la cerámica huasteca tiene también características notables, los objetos están llenos de formas, manejando relieves, los colores más vistos son el rojo, negro y café, puestos sobre un fondo blanco o crema, sus representaciones se conformaban por distintas formas geométricas, en la mayoría de sus esculturas o modelados se aplastaban los volúmenes, esta técnica es característica de la cultura huasteca.

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ARTE EGIPCIO, GRIEGO Y ROMANO

ARTE Y ARQUITECTURA EGIPCIA (3100 A.C. – 30 A.C.)

Máscara de Tutankhamón

Máscara funeraria en oro : Tutankhamón, artista desconocido, 1330 A.C. cairo (Egipto) Museo egipcio.

Se presenta un gran cambio en la vida del hombre pasando de ser cazador a ser agricultor, desarrollando así una cultura sedentaria, en las zonas se empiezan a generar un aumento de la población, lo que da lugar a nuevas formas artísticas, para los egipcios fue necesario el aprendizaje de la geometría, de los materiales y de las herramientas, sus trabajos se encontraban bajo el principio de la exactitud y la precisión. El arte egipcio nace de la necesidad de la organización, las tierras eran delimitadas, se dividían y eran designadas, en esos territorios se edificaban templos, palacios o zonas de cultivo, el arte también se empleaba como medio de manifestación religiosa y también como instrumento de engrandecimiento de poder, incluso sus obras pictóricas relataban la vida de los faraones.

Las representaciones egipcias se caracterizan por ser sólidas y contundentes, en ellas se puede ver una familiarización con la naturaleza, los elementos son reflejados en su arquitectura y decoración, sin embargo la mayor intervención en el arte egipcio es la religión y la fe en el más allá. Se crea un interés en lo eterno, lo cual se observa en su cultura, orografía y sobre todo en su organización. Sus distintas deidades están basadas en animales y fuerzas naturales, el culto a estos dioses era de gran importancia para esta cultura.

EL Libro de los muertos. El escriba Kha y su esposa Merit se presentan ante Osiris, dios del inframundo.

Los egipcios crearon colosales esculturas y monumentos en respuesta a la eternidad, su estabilidad e indestructibilidad eran carecterísticas de ello, también generaron construcciones funerarias, empleadas para los faraones, Dentro de ellas se contenían sus cuerpos para mantener la esencia. Las pirámides de Giza forman parte de esas construcciones gigantescas, el difunto era aprisionado y rodeado de alimentos, vestidos, etc. Necesarios para “el más alla´”

Pirámide escalonada de Djoser, construida por Imhotep en Saqqara, Imperio nuevo.

Aunque la religión intervino mucho en las expresiones artísticas, hubo otro factor que realizó cambios en esta cultura. La evolución histórico-política juega un papel muy importante en este tema, ya que hubieron intercambios culturales, dados por los distintos factores que se presentan en cada periodo:

  • Periodo predinástico.
  • Periodo dinástico: Escritura jeroglífica.
  • Imperio antiguo: Imhotep y construcción de pirámides.
  • Imperio medio: invasión de hicsos introducen arco corto, carro, etc.
  • Imperio nuevo: Dinastías, primer rollo de papiro, libro de los muertos.
  • Época baja: sucesivas invasiones.

 

ARTE GRIEGO Y HELENÍSTICO  (851 A.C. – 31 A.C.)

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Áquiles y Áyax el grande,  jugando a los dados.

Empieza a decaer todo lo relacionado con los animales y dioses, produciéndose un interés enorme en lo que es el hombre, aquí nace la ideología del hombre como el centro del universo. La belleza se convierte en algo fundamental, por ello los griegos intentan encontrar su significado, las expresiones artísticas se utilizan como un medio de representación de la belleza, Su obsesión es tan grande que intentan imitar a la naturaleza (mimesis) a la perfección e incluso intentan corregirla.

El antropocentrismo toma lugar en diferentes obras, buscando representar la belleza física y moral, el arte es empleado como un medio al igual que la filosofía, su elemento principal es el hombre y sirve de referencia para todas las obras arquitectónicas e incluso escultóricas, el principio es adecuar al hombre según la proporción. Por otra parte, la arquitectura es inmensamente alterada por la “polis”, la conexión con el ámbito político es estrecho, se puede ver en las construcciones hechas por dirigentes, también en la designación de lugares por posición política, la edificación y estructuración da lugar a la necesidad del dominio de materiales, La óptica y lógica son la esencia de estas edificaciones. Debido a la complejidad de las construcciones, se generan los ordenes: dórico, jónico, y corintio, (términos designados de acuerdo a organización), incluso se hicieron designaciones por planta ó número de columnas: In antis, próstilo, períptero,etc.

El Partenón de Atenas, templo de construcción Dórica 447 A.C. – 438 A.C.

 Durante el arcaísmo se hizo importante la búsqueda del prototipo humano, se hicieron varias esculturas influenciadas por otras culturas, mostrando diferentes actitudes, sin embargo el clasicismo fue el periodo en el que se buscaba mostrar mayor naturaleza en las esculturas, el cuerpo humano se representaba en movimiento para ir formando expresiones (euritmia) algo muy visto en las esculturas de mirón y Policleto, también aparece Fidias con su técnica de “paños mojados” con el cual buscaba representar mejor la anatomía, acentuando y reluciendo su naturalidad, durante el posclasicismo salieron a relucir las obras de Praxíteles debido a la naturalidad que plasmaba en ellas, el las “humanizaba” mostrando mayor dinamismo y curvas, todas las obras tienen algo en común, estas intentaban apegarse lo más posible a la realidad mostrando la belleza y perfección del hombre.

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Victoria de Samotracia, es una obra llena de dramatismo Realizada en mármol.

Durante el Helenismo hubo una crisis de las ciudades-estado debido a la conquista de Alejandro Magno, el hombre deja de ser ciudadano-polis y se convierte en ciudadano del cosmos, esto hace un cambio en la ideología del hombre como centro del universo lo cual se ve reflejado en las obras cambiándolas por representaciones de grandeza, las esculturas llegan a ser más complejas, menos estáticas, las obras ya no tienen la proporción del hombre haciéndolas de mayor tamaño, sin embargo la perfección es muy importante, manejan la armonía e intentan obtener el mayor realismo posible considerándolo como naturalismo absoluto.

 

ARTE ROMANO (500 A.C – 476 D.C.)

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Estatua ecuestre en bronce, emperador Marco Aurelio (Siglo II D.C.)

Roma empieza a extender sus territorios conquistando distintitas zonas del occidente, durante su extensión ellos van recopilando u obteniendo las diferentes técnicas de las zonas conquistadas, esto se convierte en una gran influencia en sus expresiones artísticas, por medio de la adquisición de obras y también por la intervención que hay de otras culturas. esto hace que los romanos se dediquen a la reproducción para obtener obras maestras, así como también el aumento de calidad de estas.

 

El arte Romano esta condicionado por la política, por ello lo utilizaban como un medio de comunicación, como en la arquitectura en donde mostraban sus grandezas evocando los éxitos realizados, brindando distintas construcciones de disfrute para los ciudadanos con un uso en especifico, el arte era como un lenguaje en el cual buscaban transmitir el poder que poseían y también la actividad existente, las construcciones fueron de carácter político y sociológico, las construcciones tenían una función y no eran simplemente creadas para dioses, dentro de este marco se fueron creando diferentes tipos como: basílicas, anfiteatros, acueductos, etc.

 Panteón de Agripa (interior), Creador Marco de Agripa.

                                     

Habitación de las máscaras, casa de Augusto. 100 A.C.

 

En este periodo hay una mayor importancia hacia el urbanismo y la funcionalidad, gracias a ello se van generando nuevas organizaciones, como las viviendas que se dividen en domus, insulae y villae. Por otra parte la arquitectura se vuelve más compleja lo cual hace esencial el uso de diferentes materiales como el hormigón, también hay modalidades de acuerdo a los materiales empleados como el Opus quadratum o el Opus caementicium e inclusive generan nuevos ordenes en el cual se encuentran el toscano y el compuesto, en la pintura se da a relucir la pintura mural, los retratos guardaban relación con lo natural, su estilo era más decorativo y se empleaba para crear ilusiones ópticas, intentaban aumentar espacios por medio de la simulación de columnas y ventanas las cuales les daban profundidad para dar la sensación de ampliación.

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Fresco de la primavera, Pintura en pared (50 A.C.)

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Las tres gracias (59 A.C.)

 

 

 

 

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